SPRINTS CRÍTICOS | DEUS ATEU

“Vamos ver as Tartarugas”, por Alexandre Gnipper | @alexandregnipper 

“Vamos ver as tartarugas” configura um quadro poético que evoca memórias da infância na elaboração de uma experiência de trauma, contando uma história de perda da inocência a partir do ponto de vista de dois irmãos. 

A mãe, reduta de alegrias e segurança, embala placidamente uma perspectiva de existência que não pode ser sustentada. Um dia eles eram felizes e foram ver as tartarugas nascendo na praia. O tempo passa e a vida adulta guarda labirintos que não podem ser acessados de dentro da redoma de cristal na qual repousa a inocência dos irmãos. Uma mãe em fuga exerce sua função na chave do desespero, e acaba por evocar a lembrança do dia em que foram ver as tartarugas nascendo como ferramenta para o rapto dos filhos.

Quando se dão conta que foram enganados pela própria mãe, o véu da inocência se quebra, e o peso é severo demais para os ombros dos irmãos. Salvos pelo pai do gesto desesperado da mãe, na volta pra casa eles passam por lugares que guardam memórias desse momento em que acreditavam viver em um mundo seguro. Agora esses lugares vão se tingindo por uma outra tonalidade, que transborda da imagem inicial manchada do dia em que foram ver as tartarugas nascendo, se espalhando pelo caminho que teriam a frente por percorrer, agora enfrentando essa experiência do mundo estar fora do eixo.

Ali o elemento épico da narratividade acaba sendo utilizado como um mecanismo de defesa do ego, se distanciando para poder contar, contando para elaborar a experiência. Se a narração submerge o público na história, ela também distancia o narrador da experiência, como estratégia de preservação da subjetividade fraturada das personagens, ao mesmo tempo que submerge o público nessa experiência de perda da inocência na infância que, de modos diversos, todos compartilhamos em comum.

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“A última geração”, por Luiz Vieira | @luizvieira.art

Impossível ver o espetáculo ‘A Última Geração’ e não fazer uma conexão direta com o que está acontecendo nos territórios de Israel e Palestina em 2023. A peça, que é uma livre adaptação da obra “Morro Como País”, de Dimítris Dimitriádis, refaz os passos de um país em ruínas num período de pós-guerra e busca entender os motivos pelos quais há legitimação na barbárie. O elenco, ávido por contar essa história, transforma-se num coro eloquente e se potencializa com a direção atenta de Diego Ribeiro. Além disso, há destaque também para os figurinos, as maquiagens, a luz, a sonoplastia, o preenchimento do espaço; percebe-se a seriedade do trabalho em cada detalhe.

Em meio ao turbilhão de emoções que se é possível sentir ao ver a peça, fica uma certeza: algumas histórias precisam ser contadas mais de uma vez para que elas não se repitam. Parafraseando Marina Colasanti: “A gente se acostuma a abrir o jornal e a ler sobre a guerra. E aceitando a guerra aceita os mortos e que haja números para os mortos. E aceitando os números, aceita não acreditar nas negociações de paz. E não aceitando as negociações de paz aceita ler todo dia, de guerra, dos números, da longa duração. […]”. 

Ao final do espetáculo, emocionada e aos prantos, a atriz Alana Carrer agradece a presença do público e reverência a fênix, Zé Celso, num momento lindo, singelo e que marca, mais uma vez, a importância do festival para a cidade de São Paulo, para o país e para a manutenção da memória.

Viva as Satyrianas! Viva, Zé! Viva a potência criativa dessa nova geração! Viva! Viva a memória, que ela permaneça sempre viva! Que a profecia se cumpra. Aos que vieram antes, aos que aqui estão, aos que se foram e aos que ainda não sabem que chegarão.

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Amor para Obá”, por Luiz Vieira | @luizvieira.art

De onde é seu congá? Quem é seu orixá? ‘Amor Para Obá’, do Grupo O Fi’los, celebra entidades de matriz africana num espetáculo divertido que mescla comédia e drama a partir de uma dramaturgia inspirada nas histórias dos orixás.

Com um elenco afinado, o espetáculo traz como trilha sonora músicas nordestinas e coreografias do folclore brasileiro. O destaque fica para o texto de Alexandre Battel, que consegue construir uma história divertida e, ao mesmo tempo, didática sobre a origem dos orixás. Infelizmente, ainda vivemos em um país em que a desinformação gera muito preconceito contra religiões de matriz africana, e o espetáculo se mostra extremamente necessário dentro da programação das Satyrianas para ir na contramão das estatísticas.

Para um panorama mais recente, uma pesquisa da Rede Nacional de Religiões Afro-Brasileiras, em 2022, mostrou que nos últimos dois anos crimes de intolerância religiosa cresceram 45% no Brasil e os principais alvos são os cultos de matriz africana. A pesquisa ouviu representantes de 255 terreiros de todo o país, e quase metade diz ter sofrido mais de cinco ataques no período.

Ao final do espetáculo, Battel fala sobre a importância da resistência do teatro e do público que também se disponibiliza para ocupar esses espaços. 

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Cabaré dos Despejados”, por Luiz Vieira | @luizvieira.art

Mais uma grata surpresa dentro do  festival, ‘Cabaré dos Despejados’ consegue de forma despretensiosa prender a atenção do público em um espaço que, muita das vezes, é um desafio conseguir, como foi o caso da apresentação do Grupo Despejados no bar dos Parlapatões. 

Com uma banda tocando ao vivo, o pocket show é  intercalado por apresentações de uma trupe de palhaços que fazem números, lamentam suas dores e reivindicam a atenção do público para prestarem atenção em suas palhaçadas. Os sagazes palhaços conseguem, em poucos minutos, dar um up no espaço e fazer jus a sua infraestrutura: um palco vazio precisa ser ocupado por artistas – ora! 

Como diz Arnaldo Antunes, a gente não quer só comida, a gente quer comida, diversão e arte! E neste sentido, o Grupo Despejados manja bem como fazer uma boa “orgia”, na mesma pegada que o Zé gostava! 

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Complexo Metade Cheio”, por Thamíris Dias | @thamiris.dias_

O eco do estribilho, “isso não é certo é de cortar o coração”, ressoa entre os tambores que acompanham a experiência sensorial que é “Complexo Metade Cheio”. Esta adaptação da obra “A Gota D’água” de Chico Buarque e Paulo Pontes mergulha não apenas na história de seus personagens, mas também nas questões sociais que permanecem profundamente entranhadas em nossa sociedade, como o trabalho do cuidado, a sobrecarga das mulheres e a vulnerabilidade que isso gera

.A singularidade desta peça vai além das habilidades excepcionais do elenco e da envolvente disposição do palco em formato de teatro de arena. Ela nos leva a um mergulho na realidade de seus personagens de uma maneira que nos força a questionar nosso próprio papel na narrativa. 

A peça começa com uma cena em que os atores amassam a massa de um pão, um forno, preparando-o para ser degustado. Em breve, todos na plateia também partilham do mesmo pão, aquele que a protagonista envenena a si mesma e a seus dois filhos. Todos nós nos tornamos cúmplices da tragédia iminente, e a reflexão começa.

Em meio a esse “Complexo Metade Cheio” em que vivemos, a metade vazia, muitas vezes invisível, não pode mais ser negligenciada. A atriz Aline Fauth em uma encenação visceral mostra com o corpo todo uma mulher que foi abandonada pelo marido com os dois filhos do casal, ele prefere tentar a fama e se casar com uma mulher mais nova e rica, assim como a peça referência citada acima.

A história da protagonista reflete a realidade de inúmeras mulheres que, diariamente, se veem sobrecarregadas pela rotina de trabalho e pelo fardo de cuidar de seus filhos sozinhas. No Brasil, mais da metade dos lares são liderados por mulheres, que enfrentam a luta constante de equilibrar o trabalho, a culpa e o medo, tudo isso sem apoio do pai, sequer do Estado.

A personagem, retratada com maestria, está enfraquecida, sem apoio e solitária. “Complexo Metade Cheio” nos lembra que, enquanto celebramos as conquistas da vida, não podemos esquecer daquelas que carregam o peso do mundo nas costas, muitas vezes sem acolhimento e recursos.

Esta peça lança luz sobre a metade vazia, oferecendo uma oportunidade para reflexão e, esperançosamente, para uma mudança real. Assim, saímos do teatro não apenas comovidos pela atuação brilhante, mas também com uma percepção mais profunda de um problema social que precisa ser enfrentado e resolvido.

Em última análise, “Complexo Metade Cheio” é uma obra que convida-nos a ser mais conscientes e compassivos em relação ao trabalho do cuidado e à vida das mulheres que o sustentam, “qualquer desatenção pode ser a gota d’água”.

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Extraterrestre”, por Thamíris Dias | @thamiris.dias_

“Extraterrestre” se dispõe a tratar da questão de pessoas vivendo com HIV atualmente, o que antes era tabu e sinônimo de morte, hoje, apesar dos antirretrovirais, continuam sendo tabu e sinônimo de morte. As medicações atuais proporcionam qualidade de vida, a não transmissão do vírus para outros e, no entanto, o que mata as pessoas vivendo com HIV?

A peça explora que a morte vem pelo silêncio e preconceito. Apresenta situações vividas por Loretta, uma mulher soropositiva há cinco ano. Revelar o próprio diagnóstico nem sempre é fácil, ainda há muita desinformação e pouco se fala sobre, no imaginário popular ainda reside o estereótipo de pessoas que morreram após contrair o vírus e desenvolver AIDS. Neste sentido, a peça é socialmente relevante.     

A personagem sente-se uma extraterrestre, alguém diferente do resto da humanidade, tem um segredo que não pode ser compartilhado por causar medo nas pessoas, revolta e outras manifestações de discriminação e preconceito. Ela diz ser uma extraterrestre, um tipo de brincadeira. É interessante destacar aqui que esta brincadeira de Loretta é também um silenciamento. 

“Extraterrestre” é um recorte dos inúmeros enfrentamentos que pessoas vivendo com HIV tem de lidar, aqui ressalto que há também um recorte sócioeconômicos, de classe, gênero e raça que foi pouco explorado.

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Diaspóricas – O Show”, por Alexandre Gnipper | @alexandregnipper

Quatro mulheres negras, na busca da ancestralidade que compartilham em comum, se encontram em um resgate histórico atravessado por suas trajetórias, fazendo da música um instrumento de união daquilo que um dia foi disperso no tempo e no espaço.

Apresentando canções para abraçar e aquecer corações a música ali se configura como ferramenta de diálogo entre almas, atravessando a profundidade de cada ser é possível transcender a fronteira dos corpos, ressignificando relações historicamente forjadas para sublimar em poesia o passado manchado de sangue.

Desse encontro resulta uma musicalidade latente e pulsante em um show cheio de vida e poesia. Fortalecidas de Oyá e Xangô elas se transfiguram em guerreiras de agora, de suas próprias histórias e trajetórias, em um tributo à história de todo um povo, resgatando lembranças como forma de luta, fazendo da música reza e da reza música, atuam como vetores de transformação poética para que as coisas possam retomar a seu devido lugar de direito, até que enfim se revele que a música brasileira é uma mulher negra.

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Bereu”, por Márcio Tito | @marciotitop 

O acerto da cenotecnia condensa todas as qualidades da obra em uma só paisagem não somente íntima, mas também pública e social. Mulheres e grades se anulam conforme histórias e narrativas surgem sempre mais viscerais, porém, ainda assim, a delicadeza desenhada pelos pés femininos de mães, irmãs, amigas, filhas e maridas ou esposas não deixa de participar do enredo. E que falta faz um mundo menos desigual. 

Quando vozes e planos param sempre no ouvido de alguém cuja crença já se foi, aí não nos resta mais nada. Sonhar, mas não ter a quem dizer o sonho. Amar, mas desencontrar qualquer corpo que possa repousar o nosso carinho. Tantas lutas. E tantas lutas que, no fundo e no mundo, são a mesma. Homens elegendo pontos de apoio para as suas artes criminais, e mulheres que sobreviveram da certeza de que com elas seria sempre diferente. Tudo na vida do pobre, pela falta de opções, porque o acesso abre mundos e fecha vias, muitas vezes se repete. É trauma. É cena em retrospecto. 

Mas o teatro e a sua capacidade de nitidez operam uma profunda revisão porque a poética surgida, no corpo do ótimo e super equilibrado elenco, mesmo quando dentro das histórias já sabidas, faz ressoar conosco um sentimento de profunda renovação. Bereu, ainda que cheio de sombras e dores e fantasmas, é parte da alma clara do Brasil. Um sonho resistente. Um átimo de fé contra as obviedades do real. Com aplausos para a encenação perfeita e capturada pelo melhor ângulo do bom gosto (mesmo quando perante tão duras e miseráveis imagens e realidades).

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Platitudes”, por Márcio Tito | @marciotitop 

Dois enormes talentos reunidos em cena: A capacidade cômica-interpretativa textual do doutor, as nuances hilárias e expositivas de profunda inteligência do intérprete. 

Melgaço, o ator em questão, parece ter nascido para inventar o teatro inventado por Zzzlot – e há nisso – de modo selvagem, num vocabulário leigo – algum tipo de transferência? Penso que sim, mas também penso que não. O que importa, na tábula do jogo proposto, de certo, desenha-se na introdução acima.

Errado e certo, certo e errado em uma só direção. 

Duplipensar a via do susto e a zona do sobressalto. Duplipensar o pau no cu sem aviso (sua dor, seu prazer, seu consolo e o tato). E perante uma obra com este modelo de tônica, na hora do texto, na hora da crítica, como constranger-se e deliberar uma análise prática? Zzzlot no convida aos berros e aos aplausos com as solas dos pés. É um contrato entre a graça e o arrepio. Algo perto do climão e abaixo da razão total. Uma peça-ensaio, uma palestra-performativa, uma sessão tempestuosa e feita de muitas e loucas emoções. 

Justifica-se em Platitudes um longo desejo por refletirmos acerca de coisas outrora somente desenhadas nas paredes de ar do pensamento. Vulgaridades fundamentais. Contratos invisíveis. Corações procurando pelo real – e uma gente mais do que maluca fechando salas, reunindo desconhecidos e desconhecidas e dizendo textos que pensam a solidão deste nosso corpo cujos pêlos nunca superam os odores. 

O teatro que se vê em Platitudes, por originalidade, qualidade e ponto-cego, é um dos teatros que podem vir a reformar o olhar da cultura acerca de si. E ficamos todos curiosos e curiosas por conhecermos também quais estratégias farão esta arte ganhar públicos, palcos, viagens e temporadas.

Uma das linguagens mais singulares e poéticas do teatro brasileiro.

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Consuelo e os Patada Picante”, por Márcio Tito | @marciotitop 

Um permanente sentimento de interrogação e dignidade, revelando o tempo-espaço de uma identidade perdida e resistente entre boleros e violões, faz com que a cena performativa, cigana e ancestral escrita por Simone Cardoso nos inspire sentimentos contraditórios acerca dos amores, dos abandonos e dos encontros e desencontros encadeados ao longo de romances, canções, personagens, memórias e variadas outras estruturas simbólicas. Sendo assim, e mantendo as veias sempre mais abertas e colocando em jogo um coração exausto por repetidas vezes perder-se, dar-se e cantar ao encantar-se, Eloá Pimenta, com impressionante magia, valoriza soslaios, sussurros e pequenas (ou apenas delicadas) emoções.

O enredo fica por conta dos procedimentos de aproximação entre a plateia e a performer – e todo este contexto afetivo, criando instantânea cumplicidade transmitida pelo olhar e pelos valores contracenados, sem esforço, elucida também uma sinopse atenta aos sinais do feminino e, como nunca deixa de ser, à respeito das tão cotidianas quanto históricas opressões patriarcais. Para além de uma grande artista, Eloá deixa conosco um sentimento que não se deixa vencer pelo real. É sonho, é vida-delírio, paixão-confissão. 

Um importante gesto internacionalizante e cultural, e uma das mais bem trazidas aproximações entre a performance e o público espontâneo. Certamente uma obra cujo entretenimento e a potência poética podem e devem realizar viagens sempre mais profundas e sempre iluminadas por presenças e olhares das mais variadas estaturas e qualidades.

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

Sprints Críticos – Deus Ateu | 14 de Outubro – Sábado

“Frases na porta de Banheiro”, por Carolina Lira | @caroladelira 

O texto de Nina Nóbile carrega com ele uma densidade sufocante. Um tema áspero, uma atriz em cena, uma leitura encenada com poucos elementos dispostos em cena e muita força. Impossível não se confrontar com um nó na garganta e embrulho no estômago ao se encarar um tema como esse: estupro infantil.

A pungente atuação de Ana Clara Fisher traz consigo as vozes silenciadas de muitas mulheres, que mesmo sendo vítimas desse crime, por diversas vezes ainda recebem uma dupla culpabilização. As situações narradas são terríveis e causam asco. As manchetes de jornais que são projetadas em cena abordando casos reais de estupros infantis não são poucas. A atmosfera criada com a atuação da atriz somada à elas contribui para a ampliação do terror sobre a temática.

Em alguns momentos, as frases de banheiro soam engraçadas e fazem um contraponto diante de tanto horror. A personagem menciona que faz uma coleção delas e que as melhores frases irão a acompanhar e guiar seu caminho, assim como provavelmente o lugar profundo que esse tema e essa peça toca dentro de cada mulher vai continuará a acompanhá-las durante muito tempo.

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Perché Chico”, por Carolina Lira | @caroladelira

O elenco se propõe a fazer uma investigação em cena sobre as inúmeras questões e atravessamentos que atingem seus corpos. Um baile às cegas compõe a apresentação. Nesse contexto, cada atuante congela em uma pose que depois sofre modificações, deixando um rastro de pistas a respeito dos questionamentos sobre adequação de comportamentos e jeitos de corpo impostos socialmente e possíveis consequências para quem ousa não seguir a cartilha das regras sociais impostas.

Imagens cênicas interessantes são formadas a partir de poucos elementos presentes na cena. Um plástico grande está envolvendo todo  elenco quando o público adentra no espaço, sugerindo o pertencimento daquele grupo em uma mesma bolha de outsiders. Um guarda-chuva é utilizado de forma inteligente e versátil e ajuda a compor e criar múltiplas ambiências em micro cenas dentro de uma mesma cena. Espelhos e panos coloridos conduzem o público por narrativas que sugerem opressões e silenciamentos.

Com orientação de Edu Chagas, o grupo se coloca em cena de forma desenvolta e provoca quem está assistindo de forma direta. Em uma das cenas mais fortes, uma das atrizes luta para se desvencilhar das agressões de todo o restante do elenco, é  tirada de cena e continua berrando e suplicando em alto e bom som. O elenco volta perguntando ao público quem quer calar a boca dela, sem deixar dúvidas que assumiram questionamentos pulsantes e os riscos do teatro performativo.

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Os Saltimbancos”, por Carolina Lira | @caroladelira 

A “Cena do Drama – Companhia de Teatro Universitário da UNEMAT” traz para o palco uma dramaturgia construída a partir de experimentações da obra de Chico Buarque como instrumento de ensino-aprendizagem no ambiente acadêmico. A companhia buscou a inclusão de novos elementos artísticos e linguísticos para a montagem dessa peça teatral que apresenta um grupo de animais que enfrenta injustiças e desigualdades sociais.

Toda a peça é acompanhada por dois músicos que estão em cena e contribuem para que as narrativas sejam criadas e costuradas de uma maneira orgânica. Os figurinos merecem destaque pelas cores, texturas e beleza. O palco preenchido pelo colorido dos bichos, coro e músicos alegra os olhos.O elenco se mostra bem entrosado e atento, mesmo diante das diversas movimentações que ocorrem durante a realização da peça. 

A Cena do Drama retoma a obra de Chico Buarque e apresenta para o público uma montagem colorida, divertida e afinada em diálogo com um texto político e engajado em que os animais se unem no combate à exploração dos seus patrões e lutam contra desigualdades e injustiças.  

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Submersos Particulares”, por Carolina Lira | @caroladelira

Após dois anos de isolamento social por causa da pandemia, Bruna Mondek e João Guilherme,  voltam a se encontrar em corpo e dança. O Duo SP, composto por Bruna e João, é um núcleo de pesquisa e produção e dança que se debruça sobre uma pesquisa autoral. Foi apresentado um trabalho potente e sensível no DançaMix, programação do festival Satyrianas dedicada aos espetáculos de dança.

Através da dança contemporânea a dupla constrói uma dramaturgia com o corpo para contar da busca que os orientou por um caminho enquanto eles estiveram por um longo período separados. O corpo como receptáculo de memórias relembra a distância vivida por ambos, a desorientação e a procura de caminhos. Toda a construção é cheia de sensibilidade, pois além da trilha sonora original composta para o espetáculo, são projetados vídeos com paisagens do interior das casas e áudios trocados por eles durante o tempo em que não podiam se encontrar presencialmente.

Enquanto os vídeos e áudios ilustram um cotidiano pandêmico e isolado, a necessidade de arrastar os móveis para dançar no chão da sala e o desafio de lidar com espaços reduzidos, em cena a dupla flerta com os apoios e desequilíbrios dos corpos, compartilha uma relação de intimidade, aponta a procura por um caminho. “Submersos particulares” é um espetáculo que consegue traduzir a busca por um encontro mesmo quando as dificuldades são imperativas.

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Adágio”, por Márcio Tito | @marciotitop 

Uma fala que se repete pelo tempo. O ditado e o clichê sempre capazes de prenunciarem ou desnudarem um costume – Eis a revelação do esqueleto de uma sociedade cujos valores aparecem em franca derrocada. Como visto, sob a luz pandêmica, alguns inusitados, terríveis, supreendentes e renovados contornos, mesmo quando imersos, ainda assim, nos aguardam quando a tragédia se revela – e aqui está o nosso ponto de atenção e luta: sabermos que a nossa resistência, mesmo quando permanente, também nos exigirá modos de recriação e renovação do combate.

A linguagem tartamudeia perante o hábito, mas as estratégias coletivas, sejam quais forem, recorrem sempre ao expediente narciso. Porque a Cultura, quando não analisada, revisada ou preocupada com as deixas que nos fazem seguir, porque nasce do contato entre estranhos e estranhas, procura espelhos ou fórmulas que afirmem toda a vontade de potência. E ela, a Cultura ocidental, quando disparada em despreocupada carreira, quer somente a neurótica repetição de si e, ato contínuo, a transmutação do outro em sombra, servo, figura submissa ou artefato inativo e pronto para cumprir ordens, achaques e caprichos.

Falta o ar, mas nunca faltam pessoas ou fragilidades que sejam deliberadamente sufocadas ou mortalmente vencidas por uma estrutura que, como na leitura, nunca deixa de girar. 

O mundo gira. 

Tudo se transforma e a mudança é permanente, mas o eixo se repete. 

É sempre a mesma baliza. 

Um constante veículo de contenção das verdadeiras revoltas. 

Como se nos quisessem revolucionando coisas sempre fixadas – para que a nossa revolta, adiante, sirva àqueles e àquelas que sobrevivem porque tomam copos deste sangue cuja hemorragia revela também a derrota e, pela via dos mercados, um produto bom, bonito e barato na prateleira da vida. Odiaríamos pertencer ao time de quem vence esta luta não somente desigual, mas cujos desejos pulsam uma artéria de morte e conluio entre o medo e pouca ou nenhuma comoção afetiva pela fisionomia do próximo. Mas talvez seja boa hora para dizermos que também temos odiado a parte dos vencidos e das vencidas.

O coração humano não conhece repouso.

– Sophia de Mello Breyner 

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Pédê Folclore – Margens e Folclores”, por Thamíris Dias | @thamiris.dias_

Em “Pédê Folclore – Margens e Folclores”, somos levados a uma viagem pelo tempo até a década de 20, quando uma destemida bailarina aportou em Cáceres, MT. Nessa época, a arte estava circunscrita às elites, e a dançarina ousava desafiar essa estrutura, sonhando em se apresentar na praça para toda a população de Cáceres, independentemente de sua posição social. 

Essa audaciosa aspiração serve como pano de fundo para a trama, que tece um intrincado contraponto entre a arte do passado e seu lugar na contemporaneidade.O espetáculo transcende as barreiras do tempo e da realidade, imergindo-nos em um mosaico de lendas, fantasia, música e dança. É como se as fronteiras entre o ontem e o hoje se desfizessem, revelando-nos um Cáceres que ressoa em lendas e mitos, onde o pulsar da música e a graça da dança ecoam pelas margens do tempo.

Além de ser uma experiência sensorial enriquecedora, “Pédê Folclore” ergue um espelho diante de nossos olhos, convidando-nos a refletir sobre o que mudou em nossa estrutura social ao longo dos anos. A peça é um alerta para questões sociais cruciais que ainda persistem em nossa sociedade. Ela expõe sem medo o poder nas mãos daqueles que detêm o capital, a exploração das camadas mais vulneráveis da população e, paradoxalmente, a resistência inquebrantável dessas mesmas pessoas.

O espetáculo é, acima de tudo, um ato de democracia cultural. Ocupa o espaço público, que, por vezes, foi tomado por elos frágeis quebrados por desigualdades. “Pédê Folclore” não apenas democratiza a arte, mas também a devolve à população, reafirmando que a cultura não deve ser confinada a platéias selecionadas. Em vez disso, ela deve ser compartilhada, experimentada e celebrada por todos.Nessa jornada emocionante e provocadora, “Pédê Folclore” nos convida a reimaginar o passado, a repensar o presente e a sonhar com um futuro onde a arte seja uma dádiva acessível a todos, onde as margens da cultura cedam espaço para um rio de folclores, e onde a resistência do Pantanal seja um testemunho da força da alma humana.

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Um Tal Guimarães”, por Thamíris Dias | @thamiris.dias_

Há poesia na simplicidade do cotidiano, nas histórias de pessoas comuns no interior de Minas Gerais e no interior do interior da gente, essa ‘gente que faz viver’. Em “Um Tal de Guimarães,” os personagens criados pelo autor João Guimarães Rosa o revisitam para tirar satisfação e, em algum nível, se vingar ou matar o escritor por tê-los criado assim como são, com características que os tornam singelos e, por isso, plenos da beleza do existir

O ator Vitor Peres cozinha, dança, canta, toma cachaça e experimenta ser ele mesmo numa atuação viva. A dramaturgia intercala reminiscências das personagens de Guimarães costuradas às do ator, que também viveu no interior de Minas Gerais, sugerindo que ele e sua história, bem como a nossa, também poderiam ser personagens de Guimarães se tivessem coexistido nesse espaço de tempo.

O que eleva ainda mais a produção é o uso autêntico do sotaque regional mineiro. O sotaque não é apenas um detalhe, mas um personagem na peça, uma entidade que une o público com as raízes culturais do sertão mineiro. Ele envolve o espectador em uma autêntica experiência sensorial, transportando a platéia para o interior de Minas Gerais.

“Um Tal de Guimarães” é uma celebração da riqueza do patrimônio cultural e regional. A peça preserva e promove a identidade e as tradições de Minas Gerais, enriquecendo a herança cultural do Brasil. Ela se torna um testemunho vívido da importância do legado cultural de uma região rica em história, linguagem e tradições.

A peça é uma experiência afetiva, destacada ainda mais pelo uso magistral do sotaque regional, que evoca o que a obra de Guimarães acessa na nossa humanidade e o quanto o simples do cotidiano se revela como grandioso em nossa jornada.

“Um Tal de Guimarães” é uma homenagem pulsante a uma das figuras literárias mais icônicas do Brasil, uma celebração autêntica da alma do sertão mineiro que pulsa em suas histórias e na própria performance.

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Yaga – uma história para crianças corajosas”, por Beatriz Porto | @beatrizpfg

A Severina Cia de Teatro, de Pindamonhangaba (SP), apresenta a sua versão da história da Baba Yaga, figura controversa das narrativas orais eslavas por muitos entendida como uma sábia, por tantos outros como uma bruxa. Na versão da Severina, uma história que nos últimos tempos tem ganhado uma roupagem quase essencialista de um feminino mítico é singelamente desenrolada como uma narrativa sobre os medos e como enfrentá-los.

O grupo relaciona esse processo de enfrentar aquilo que nos assusta diretamente com brincadeiras tradicionais das infâncias. A peça começa com uma menina brincando de boneca e, nessa brincadeira tantas vezes vista de forma banal, percebemos a criança elaborando assuntos difíceis como a morte da mãe, o novo casamento do pai e a chegada de novas irmãs que a maltratam. Depois disso, em outra brincadeira, a menina percebe que sua boneca tem fome e decide ir atrás do fogo mágico e misterioso que poderá aquecer a comida de brinquedo que sua amiga faz – e assim elas decidem ir até a casa de Baba Yaga no meio da floresta buscar o fogo mágico. Todo o trajeto perigoso é vivido pelas duas meninas em forma de jogos tradicionais. A analogia é forte pelo que ela diz sobre o respeito à infância: brincar é um direito e, assim como ouvir e contar histórias, tem papel fundamental na forma de apreender o mundo com suas belezas e adversidades.

Quando finalmente chega a figura misteriosa que mora em uma casa com pés de galinha, lembramos que há certas coisas na vida que temos medo de conhecer e por isso parecem feias, mas que fazem parte do processo de crescimento. A menina, com ajuda de sua boneca que dá sopros de ideias no ouvido, vai aos trancos e barrancos passando pelas tarefas que Yaga lhe apresenta em um processo de ganhar coragem e confiança. 

“Yaga” costura de forma muito inteligente e irreverente o universo das brincadeiras tradicionais com o processo de crescimento e de se encorajar diante da vida que avança. Assim como as bonecas, a música das caveiras saindo da tumba (tumbalacatumba-tumba-tá), o faz-de-conta de ser a bruxa ou o rio caudaloso de barbante assinalam uma leitura de que experienciar a vida está no processo de vivê-la com imaginação e não de consumi-la em brincadeiras enlatadas. 

Impossível não mencionar também a beleza que representa a vinda do grupo para a cidade de São Paulo. A Severina Cia de Teatro vem às Satyrianas tensionando visões estereotipadas que se tem na capital sobre as formas de produzir no interior do Estado e, com excelente companhia de outros grupos interioranos de SP e outros estados que vieram ao festival, merece mais olhares, de mais público, em todas as cidades.

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Bendita sois entre as Mulheres”, por Beatriz Porto | @beatrizpfg 

Renata Peron apresenta um show-narrativo em “Bendita sois entre as mulheres”. Costurando músicas populares brasileiras e episódios de sua vida, ela conduz nosso olhar por uma passagem do tempo que é significativa em evidenciar o que mudou ou não nas possibilidades de vida para a população trans e travesti brasileira. 

O modelo “depoimento pessoal” é usado aqui em seu formato mais cru: uma pessoa conta sua história, sem mitificação ou grande estetização. Essa escolha promove um encontro direto entre o público e a atriz em cena e proporciona um ambiente tão franco, que por vezes parece ser possível pedir que ela repita uma palavra que você não entendeu, fazer uma pergunta ou contar também uma história. O teatro parece, aqui, um ambiente seguro no melhor dos sentidos: um lugar onde se pode conhecer e ter dúvidas sobre o mundo e, em tantos casos como os narrados por Renata, ter um ofício que possibilite uma versão digna de histórias até então soterradas por preconceito e violência.

As músicas que tantas vezes ouvimos ganham ressignificação quando cantadas por ela. Letras que costumamos atribuir a um imaginário entre muitas aspas “universal” das dores humanas são redimensionadas quando Renata interpreta, tão atriz quanto cantora, “não vê que Deus até fica zangado vendo alguém abandonado pelo amor de Deus”. Assim, “Bendita sois entre as mulheres” transita entre o show e o teatro, entre a arte e a vida de forma a promover encontro e conhecimento.

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Barba Azul”, por Beatriz Porto | @beatrizpfg 

Lígia Fonseca parte do conto “Barba Azul” para narrar uma experiência própria de um casamento abusivo. As escolhas dramatúrgicas – desde a premissa de apresentação de um programa culinário meio sanguinário até as imagens decorrentes das várias versões da fala “meu coração é um bosque” – dão conta da violência que está posta na mesa.

O argumento da peça revira a imagem arquetípica da mulher que sofre as consequências más do seu excesso de curiosidade – pegar a chave proibida que esconde os segredos do marido criminoso aparece de forma estranhada na imagem de uma possível Eva comendo o fruto do Paraíso. A justaposição aponta para uma percepção diferente sobre as representações femininas do imaginário religioso-patriarcal: o que há de ser, afinal, um “paraíso” que tem seu segredo proibido a uma mulher?

A peça vai, assim, aproximando imagens de asco e beleza para exprimir o horror do tema retratado: o cheiro e a visão das tripas do peixe versus o beijo e a dança, por exemplo, conduzem o público por uma sensação de náusea que fica presente na sala. Esses recursos, bem como o depoimento pessoal da atriz sobre sua história, conectam o trabalho às pesquisas artísticas que buscam borrar os limites entre realidade e ficção e falam sobre assuntos de ordem pública que muitas vezes são mantidos em segredos calamitosos.

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Oblívio”, por Mariana Ferraz | @marianaferrazmf

Aparentemente inspirado no filme “Oblivion”, apesar de não informá-lo em sua sinopse, a peça “Oblívio” transita pelo hibridismo entre o teatro, a dança e a performance. De elementos provenientes das três artes, o jovem elenco propõe uma série de indagações existencialistas, que provocam e instigam no público reflexões acerca da sobrevivência humana, da solidão, do amor e da justiça social.

Destaca-se, como um ponto bastante positivo do espetáculo, os elementos técnicos de sonoplastia e iluminação – que garantiram o estabelecimento da densidade atmosférica necessária para acolher e estimular os atores em cena. Da escolha de figurinos, também, é importante se dizer: em tons acinzentados e cortes irregulares, o público é conduzido à flutuação entre o passado e o futuro, bem como ao interior e ao exterior de si.

Apesar do esforço perceptível do elenco – que sustentou com bravura, dentro das possibilidades, uma dramaturgia tão sinuosa como a desta peça –, é imprescindível mencionar algumas questões um tanto problemáticas no que se refere à encenação. Para citar apenas um deles, em virtude da síntese do presente formato: num determinado momento da peça, vê-se uma das atrizes no centro da ribalta esbofeteando o próprio corpo – sem a devida técnica, sujeitando a matéria ao risco –, enquanto o restante do elenco corre freneticamente pelo palco, esbarrando e colidindo por diversas vezes. Presenciou-se, inclusive, a queda de alguns deles por mais de uma vez – o que suscita, então, o questionamento sobre uma pauta conceitual inerente ao trabalho: o tal “risco performático” não diz respeito à exposição do elenco à possibilidade de danos físicos; mas a dimensões sublimes e subjetivas as quais, pelo ruído profundo supracitado, impediram que “Oblívio” chegasse.

Com os devidos reparos de encenação – colocar um elenco em risco não se justifica, em hipóteses alguma, sobretudo em se tratando de atores e atrizes tão jovens e possivelmente sem tanta experiência e traquejo teatral –, bem como com alguns ajustes de cunho técnico interpretativo, principalmente quanto à projeção vocal e à impostação de alguns membros do elenco – já que perdeu-se muito do texto por estas deficiências de exercício, é possível que “Oblívio” cresça em muito. Opina-se: vale a pena fazê-lo, reconfigurá-lo, repensá-lo – é um espetáculo com grande potencial, e com um elenco perceptivelmente apaixonado por aquilo que postula fazer.

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Mulher, imagina!”, por Mariana Ferraz | @marianaferrazmf

“Mulher, imagina!”, do grupo As Olívias, é um espetáculo que apresenta, com inteligência, perspicácia e humor, a história de um grupo de três roteiristas que precisam desenvolver um roteiro para uma plataforma de streaming logo após a saída da quarta integrante da composição. Assim, Marianna Armellini, Renata Augusto, Sheila Friedhofer e Victor Bittow – o entregador de pizza/estagiário/demais outras personagens – tensionam e escandalizam, com requinte e traquejo elaborativo, as possibilidades de criação relacionadas ao universo humorístico.

O espetáculo é metalinguístico, eloquente, e revela a consistência de um elenco que labuta, persiste e cria em coerência e cumplicidade há uma boa leva de anos. Daí, então, o que se tem é uma peça extremamente harmônica, orgânica e convincente daquilo que se postula a fazer. Com uma linguagem prenhe de deboche, ironias e jargões do universo roteirista, As Olívias desempenham uma obra inteira, viva e com a qual se aprende um bocado. Sobretudo, quanto à delicadeza e a persistência do fazer artístico, da resistência no ofício teatral, da magnitude transtemporal dos signos da comédia. É mesmo uma peça e tanto!

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Dentro da noite veloz”, por Mariana Ferraz | @marianaferrazmf

“Dentro da noite veloz” é um texto maldito, na mais eloquente das acepções. Nele, uma estrela do rock é acolhida por uma sorte de doutor-interventor charlatão – um “especialista selvagem”, nas palavras do diretor Márcio Tito –, que busca ressuscitá-la após uma noite de excessos químicos, físicos e sexuais para que a mesma tenha condições de realizar seu próximo show.

Entre garrafas de vidro, potes plásticos, dejetos e reminiscências da esbórnia, a mulher encarna – em metáfora e arquétipo –, um sem-fim de adictos, marginais, perdidos e solitários que, quase sempre, encontram nos estratos da noite o seu refúgio maior. Do tédio absoluto à devastação da ressaca, do whisky à cocaína, de um coração partido ao sexo descuidado com absolutamente qualquer corpo que esteja disposto a lhe dar algo que possa remeter ao amor, o público coincide e assevera da certeza de, se não tê-lo sido, alguma vez ter conhecido um ente análogo à personagem de Thaís Grootveld.

Destaca-se, com louvor, a participação de Alexandre Gnipper e Big Band – conjunto que embalou a restituição física da estrela do rock quando a mesma, finalmente, teve condições de se levantar. Daí, então, uma profusão catártica entre instrumentos, urros, luzes e poemas encerraram a peça da programação DramaMix num portentoso clarão acústico. Afinal, é também disso que se compõe a noite: de um sem-fim de estímulos e disparadores que nos põem, sempre – tanto quanto a música – na delicadíssima dobradiça que intermedia a vida e a morte.

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Pai Brasil”, por Douglas Ricci | @blogaus 

O que você sente quando vê um policial? Você se sente protegido ou você sente medo? pergunta o ator Renato Izepp no começo da peça Pai-Brasil. A resposta para essa pergunta revela o lugar social que se ocupa na sociedade brasileira, revela também o quão mergulhados estamos em maniqueísmos e não conseguimos ver as nuances que cada situação em particular nos apresenta. 

A peça nos oferece a oportunidade de olhar para uma narrativa que evidencia essas nuances através da reconstrução da trajetória de um policial militar. Seus desejos, afetos, relações estabelecidas, esperanças são evocadas e dão relevos e contornos a essa figura para além da ideia chapada do homem de farda. O policial, que também é pai, que também é marido,  religioso e amigo nos é mostrado através da narrativa de seu filho, o ator que está diante de nós.

Em precisa encenação de Rodolfo Lima, com poucos elementos em cena, apenas alguns objetos e peças de roupa, o espetáculo problematiza alguns pontos chave. O primeiro deles é as circunstâncias que formaram esse policial já nos últimos anos dos governos militares, depois é evocado os rituais dentro da organização, o vínculo que se estabelece e que não pode ser cortado com facilidade. A peça também problematiza as questões de fé, uma vez que a família do policial se torna evangélica e é traída dentro de casa pelo pastor da igreja.

Há alguns momentos de interação com o público, sendo um deles a imagem que mais me chama atenção na peça, quando o ator vai dizendo frases clichês sobre policiais e de policiais e a pessoa convidada se não concorda com o que é dito atira nele com uma arma de paintball com líquido vermelho manchando com as marcas do tiro sua camiseta branca. Acho uma emblemática imagem, com muitas camadas para leitura, por exemplo, de como estamos polarizados em nossos posicionamentos a ponto de atirar se não concordamos, mas também as marcas vermelhas dos tiros na camiseta branca nos remete às muitas vítimas da violência policial praticada diariamente pelo país afora. 

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“La Finestra”, por Douglas Ricci | @blogaus 

Uma viagem pela Itália. Ele vê ela em uma janela e se apaixona. Ela também é brasileira como ele, mas os motivos para estarem ali são bem distintos. Aos poucos o enredo desse encontro vai se desenrolando de maneira bastante peculiar, é narrado pelo ponto de vista de um e pelo do outro sobrepostos, em uma disputa de quem tem a verdade da narrativa. Obviamente cada um tem a sua, mas nunca puderam saber até estarem ali, no palco, em um tempo-espaço apenas possível na arte. Entendemos então que nunca puderam se encontrar e viverem uma paixão que nutriram mutuamente a distância.

É bastante perspicaz a ideia da narrativa sobreposta em um tempo-espaço outro, e aos poucos sendo revelada a história por trás da história, o ponto de vista que muda a partir de um outro ponto de vista, as disputas de narrativas até elas se encontrarem. Sim, porque é sobre desencontro, sobre possibilidade, que podia ter sido mas não foi. Cada um acreditou em algo e as narrativas não se encontraram. Até o momento de estarem no palco.

Os atores da leitura dramática são bastante carismáticos, combinam exatamente com as personagens, reforçando o caráter romântico da narrativa. Me parece ser uma daquelas peças que caem no gosto do público, fico curioso para ver como será a encenação dessa ideia, pois a dramaturgia sugere interessantes possibilidades de se contar essa história em cena.

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Polaroid”, por Alexandre Gnipper | @alexandregnipper

Polaroid nos convida para um piquenique na praça com hora marcada. Em um clima de descontração entre amigos, comidas e bebidas são servidas entre público e elenco, remetendo a uma comunhão ancestral em torno da partilha do alimento. Os figurinos e o cenário em vermelho configuram o coletivo como um grupo, os caracterizando como condutores dessa experiência de partilha e comunhão. De tempos em tempos todos se juntam pra fazer uma foto, se o registro do momento perpétua a experiência no tempo ali ele também serve para desbotar a fronteira entre realidade e ficção, se toda a ação é programada a organicidade da relação com o público sobrepõe o aspecto de encenação, mesmo que nascida do próprio programa.

O projeto nos apresenta um tipo de teatro relacional que faz da ocupação afetuosa dos espaços públicos um instrumento de luta política. Contra um programa social do pragmatismo e do esvaziamento das trocas, em prol da funcionalidade de um sistema, o grupo contra ataca com um programa de ocupação afetuosa, transfigurando um ponto de passagem em um ponto de encontro, onde o acolhimento pela arte é uma arma contra a frieza e descaso do estado.

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“A Noite um Pouco Antes da Floresta”, por Denizart Fazio | @denizartfazio

A leitura da peça de “A Noite um Pouco Antes da Floresta”, com concepção, direção e atuação de Vitor Placca e com co-direção de Camilo Schaden, é uma abertura de processo dos estudos que a dupla tem feito em torno do texto de Bernard-Marie Koltès.

A disposição irregular das cadeiras nas quais o público se senta para a leitura nos convida a outras maneiras de olhar. O ator sem palco passeia entre os espectadores, estabelecendo ao mesmo tempo intimidade e estranhamento. Intimidade pelo tom por vezes confessional que o texto apresenta, pela proximidade com a qual o ator nos acerca e nos endereça o olhar. Estranhamento porque as cadeiras estão em posições não convencionais e vemos o espetáculo de muitos ângulos diferentes. A sala, que possui um grande espelho em uma de suas faces, potencializa este efeito de multiplicação das formas de ver. 

Tais escolhas são bastante acertadas no encontro com o texto de Koltès. Texto difícil de ser encenado pela profusão discursiva, que por vezes soa delirante, e que exige do espectador uma força e uma disposição extra-cotidianas. Koltès parece buscar escavar espaços infinitos entre solicitações simples, entre um “eu procuro um quarto” e uma possível réplica de seu interlocutor. Ele faz multiplicar um discurso imenso – no limite infinito – a nos mostrar, em palavra, que é possível povoar um mundo inteiro entre uma sentença e uma réplica. Não se trata de simples capricho, mas, nos parece, trata-se de uma maneira de poder dar a ver melhor tantas coisas que se escondem entre as falas cotidianas. 

É neste intervalo discursivo que o texto de Koltès faz aparecer as questões, as opressões e toda sorte de violências enfrentadas por alguém estrangeiro. Na continuidade da frase mencionada, Koltès parece quase definir essa estrangeiridade violenta que ele, na peça, investiga: “é por isso que eu procuro um quarto, porque na minha casa é impossível”. Koltès parece querer habitar temporariamente, pela palavra, a própria impossibilidade de morada de um estrangeiro em lugares inóspitos. É uma proposição difícil que a atuação de Vitor Placca encara com coragem e beleza. As inúmeras nuances pedidas pelo texto: doçura, desespero, solidão, raiva, abertura, crueza, violência e tantas outras, são encarnadas por Vitor com desenvoltura. Nesta abertura de processo podemos perceber que uma excelente montagem deste texto, já clássico, se avizinha entre nós.

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Klimkter”, por Denizart Fazio | @denizartfazio 

A peça-performance de Aline Fauth coloca em travessia aberta a experiência do climatério. A dança, o crochê e a subida em um monte, indicados pela atriz como marcos de seu programa performativo, são os guias para acompanharmos a peça. A dança com a qual somos recebidos é desenvolvida com beleza pela atriz, utilizando-se de um caixote de madeira. Quando a dança cessa, ela nos diz que há um ponto de partida etimológico: a palavra grega que nomeia o “ponto crítico”. 

O segundo marco é o crochê. Conta-nos a atriz, enquanto crocheta, que sua mãe tentou ensiná-la quando adolescente, mas que ela só o tomou em suas próprias mãos quando teve sua filha. Uma bonita trama intergeracional metaforizada pela roupa incompleta que se estende em cima da mesa. 

O terceiro ponto trata justamente da subida. Uma subida sempre é algo em três tempos: subir, chegar ao cume e descer. A atriz toma o caixote de madeira nas costas e performa a subida sisífica. Em seguida, assistimos a um vídeo de sua subida ao monte. Em cena, a atriz acompanha as imagens comendo muitos ovos que estão em seu colo, gesto performativo que prescinde de palavras e que instaura um lugar bonito e estranho, levando-nos ao “ponto crítico” que a peça almeja. Lição poética de que por vezes confiar no gesto traz melhores frutos do que apostar na reiterada explicitação. Um grande acerto da montagem é justamente quando os elementos apresentados não se articulam de forma unidirecional. Por mais que se explicite, há sempre algo que não se completa. 

Atravessamos a experiência com a atriz justamente pela falta, pelos lugares incompletos que se estabelecem, para além da discursividade que tenta compreender uma experiência – como a atriz nos diz – que ela não escolheu, mas que atravessa sua travessia no mundo.

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Devaneios de Marias”, por Márcio Tito | @marciotitop 

“Devaneios de Marias”, para além de uma sólida atriz inspirada pela dor daquilo que denuncia, também apresenta um ensanguentado relato acerca do Brasil e da condição da figura da mulher e da criança ao longo de uma vida cercada por pais, tios, irmãos, namorados, maridos e homens que, para além de seus papéis sociais, traindo todo e qualquer código da empatia, configuram estupradores, mentirosos e opressores.

Tal obscura viagem ao pior do humano, mas ao mesmo tempo depondo acerca do Brasil profundo, relata um tempo de perigos e dores contra tudo e contra todas que tenham algum dado de fragilidade em suas identidades. A fragilidade do corpo da mulher em relação ao homem, e a fragilidade da voz da criança em relação ao texto dos adultos – tudo é partido para que o mais forte submeta, ameace e abuse.

No mais, jogando com a cena, é certo que o teatro apresentado talvez tenha desejado apresentar pouca poética para que, pelo choque, o real se configurasse com sua terrível fisionomia, contudo, com efeito, talvez as obras de arte tenham mesmo o dever de iluminar sombras e lugares de horror – mesmo quando nos pareça impossível qualquer revisão neste sentido.

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.

“Bronzes e Cristais”, por Thamíris Dias | @thamiris.dias_

“Bronzes e Cristais” é um exemplo admirável do teatro de máscaras que mergulha na expressão teatral por meio do uso hábil e simbólico das máscaras. Inspirado na canção de Maysa, o espetáculo ilustra vividamente o contraste entre tristezas e alegrias, um tema intrínseco à condição humana.

O uso de máscaras nesta produção é notável, elas não são meros acessórios, mas extensões dos personagens de Carmem e Leonor, interpretados brilhantemente por Camila Rodrigues e Ingrid Taveira. O bronze, ilustra a solidão e tristeza que acompanham o envelhecimento, é habilmente expresso por meio das máscaras. As feições marcadas e os olhares melancólicos dessas máscaras capturam a essência dessa tristeza de forma comovente. Enquanto isso, o cristal simboliza os momentos de alegria e comunhão.

O teatro de máscaras sempre foi associado à exploração de arquétipos humanos, e “Bronzes e Cristais” não é exceção. Carmem e Leonor personificam dois estereótipos: as idosas cansadas e solitárias. No entanto, o brilhantismo desta produção reside na maneira como elas quebram esses estereótipos, revelando complexidade e profundidade em seus personagens. É um exemplo de como o teatro de máscaras pode amplificar não apenas características, mas também a quebra de expectativas, enriquecendo o impacto emocional da história.Além disso, o espetáculo destaca um elemento que raramente é discutido no contexto do teatro de máscaras: a temática LGBTQIAP+.

Ao abordar o tema, a peça faz uma afirmação corajosa. Ela não apenas reconhece a existência da comunidade, mas também demonstra a influência do preconceito e da proibição, que deixa marcas profundas, refletindo-se na tristeza (bronze) que as personagens experimentam.

Em última análise, “Bronzes e Cristais” é uma peça que fala poeticamente sobre todos nós. Ela utiliza as máscaras como um meio de amplificar a experiência humana, transcendendo os estereótipos e revelando a riqueza de emoções subjacentes. Essa produção é um testemunho do poder do teatro de máscaras em sua capacidade de tocar o coração e a alma do público, e, ao fazê-lo, nos convida a refletir sobre a profundidade das emoções humanas que todos compartilhamos. 

“Bronzes e Cristais” é, sem dúvida, um tributo inspirador ao teatro de máscaras e sua capacidade de contar histórias universais.

Este texto é parte do projeto SPRINTS CRÍTICOS, elaborado pelo site Deus Ateu com parceria com a produção do evento | @deus.ateu.